Depuis des décennies, des artistes et des ingénieurs ont représenté leurs rêves d’expansion spatiale : colonies lunaires, habitats géants tournant dans l’espace, villes flottant entre les planètes… Leurs images spectaculaires n’étaient pas de simples illustrations : elles ont rendu ces visions crédibles, inspirant scientifiques, politiques et grand public à croire qu’aucun défi n’était insurmontable. Aujourd’hui, alors que les impacts de nos activités sur l’environnement terrestre sont largement établis, une question se pose : pourquoi les nouvelles industries spatiales continuent  à présenter l’espace comme notre avenir nécessaire ? Cette conférence explore ce paradoxe fascinant — entre foi dans le progrès technologique et responsabilité envers notre planète.

Ce cours abordera la question de la photographie comme lieu d’appartenance, de récit et d’activisme. Du diaporama à l’installation, nous verrons comment la lecture politique de l’intime et du portrait se déploie entre espace public et institution.

En conclusion de ce cycle, nous aborderons l’exposition comme le lieu d’un scénario, d’une partition ou d’une situation, et nous étudierons des œuvres qui s’écrivent en temps réel en mobilisant la voix, le son, la lumière et le mouvement.

En s’appuyant sur l’exemple de Sun Ra, cette présentation explore un ensemble de productions artistiques et intellectuelles afrodescendantes qui jettent les bases d’une exploration symbolique du cosmos, indépendante des logiques du complexe militaro-industriel et des héritages coloniaux de la modernité. Plutôt qu’un universalisme surplombant centré sur la conquête matérielle de l’espace — avec les impacts environnementaux que cela implique — ces approches proposent d’autres manières de penser le rapport au cosmos. Elles ouvrent la voie à une relecture des imaginaires spatiaux à partir des expériences de celles et ceux dont les cosmogonies ont été effacées ou sacrifiées au nom du progrès, de l’exploration et de la civilisation.

« Tous les mouvements naturels de l’âme sont régis par des lois analogues à celles de la pesanteur matérielle. La grâce seule fait exception. » Le 2 avril 2020, en plein confinement, Thomas Hirschhorn (né en 1957 à Berne, vit et travaille à Paris) s’adresse au monde depuis son appartement parisien. Sur une plateforme vidéo, il dévoile une étonnante cartographie de la pensée de Simone Weil (1909-1943), philosophe dont l’exigence radicale résonne avec la fragilité du moment. Ce geste n’était pas isolé : depuis plus de deux ans, l’artiste prépare avec obstination un pavillon entièrement consacré à la philosophe, projet ambitieux qui verra le jour à Genève au printemps 2026. Entre-temps, en 2025, le MAMCO a enrichi ses collections d’une œuvre clé de ce cycle : Simone Weil-Map (2020).

Écouter les murs : architecture, art et transmission

Jeanne Tara est née en 1994 à Ambilly, vite et travaille à Genève. Après une formation en danse classique et contemporaine, elle se tourne vers les arts visuels et étudie à la Haute École d’Art et de Design de Genève puis à l’École de Recherche Graphique de Bruxelles où elle obtient un master en pratiques de l’art. Artiste pluridisciplinaire faisant usage de la sculpture, de la peinture, de la vidéo et de l’installation. Par le biais de ces différents médiums combinés, elle mène une réflexion sensible nourrie par les notions de gestes et de transmission. « Le fil conducteur de mon travail est une recherche autour de l’architecture comme prisme pour observer le monde », explique-t-elle. Un premier point que l’artiste réinterprète en s’intéressant tout particulièrement aux questions d’ornements, à la façon dont ceux-ci ont été utilisés comme un langage dans l’architecture et comment « nous spéculons sur une culture à travers des ruines ou des traces ». Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions en Suisse (Genève, Winterthur, Bâle, Porrentruy) mais également à l’étranger (San Juan Puerto Rico, Piacenza, Paris ou encore Bruxelles). Cette conversation tentera de présenter la démarche de l’artiste ainsi que les formes qui en découlent et d’en situer certains enjeux conceptuels.

Ce premier cours est consacré à l’abondante œuvre de Maurice Braillard, que l’on peut considérer comme étant l’un des pionniers suisses de l’architecture moderne, en particulier dans le contexte genevois. Sans jamais se soumettre au dogmatisme du fonctionnalisme, Braillard développe une production personnelle, à la croisée du modernisme et d’un certain classicisme, dont il conserve la rigueur et la mesure. Conseiller d’État et chef du Département des travaux publics genevois de 1933 à 1936, il joue un rôle déterminant dans la promotion de la planification urbaine à grande échelle et dans la définition des formes de l’habitat moderne.

Parmi ses réalisations les plus marquantes, on citera la Maison Ronde (1927–1930), à la forme inédite et audacieuse, ou encore les Squares de Montchoisi (1926–1933), qui ouvrent la voie à de nouvelles configurations du logement collectif, à la fois ouvertes et centrées. Quant à la Cité Vieusseux (1929–1931), l’une des rares Siedlungen de Suisse romande, elle se présente, sous la forme d’un système de « barres » parallèles, comme une partie du plan directeur de 1935, son œuvre maîtresse et visionnaire d’une autre Genève .

Ce cours n°2 est consacré au parcours et à l’œuvre de Marc-Joseph Saugey (1908-1971). Diplômé du Technicum de Genève en 1926, il devient membre du GANG (Groupe pour l’architecture nouvelle à Genève) et s’associe avec Louis Vincent, René Schwertz et Henri Lesemann. Il ouvre son propre bureau en 1940, mais doit attendre la fin de la guerre pour véritablement lancer une carrière remarquable, caractérisée par un intérêt constant pour le progrès technique, l’expérimentation des nouveaux matériaux et la recherche de formes innovantes.

À Genève, tout débute en 1946 avec l’Hôtel du Rhône (1947-1950), édifice emblématique qui inaugure une série d’opérations modernes au centre-ville : l’immeuble des Terreaux-du-Temple (1951-1955), Mont-Blanc Centre (1951-1954) et Gare-Centre (1954-1957) à Cornavin. En périphérie, son travail révèle une influence américaine perceptible dans l’expérimentation typologique de l’immeuble Malagnou-Parc (1948-1951) et dans le caractère wrightien de Miremont-le-Crêt (1953-1957). Enfin, il convient de souligner la réalisation de deux salles de cinéma emblématiques de la modernité genevoise : Le Plaza (1951-1954) et Le Paris (1955-1957).

Ce cours n°3 est consacré à l’architecture de Jean-Marc Lamunière (1925-2015). En 1946, il s’inscrit à l’École supérieure d’architecture de Florence, alors dominée par la figure de Giovanni Michelucci, puis effectue un stage à Mulhouse, sous l’égide de l’architecture d’Auguste Perret. À la suite de cette formation, il s’installe à Genève, où il développe une œuvre marquée par une réflexion structurelle rigoureuse. Très inspiré par Mies van der Rohe, dont il découvre l’architecture américaine lors d’un voyage aux États-Unis en 1957, il conçoit une série de bâtiments emblématiques fondés sur l’expression de structures métalliques apparentes de grande portée, parmi lesquels les Imprimeries Réunies (1963-1964) à Renens.

L’intérêt de Lamunière pour l’américanisme se poursuit avec l’édification de l’immeuble-tour des Imprimeries Réunies à Lausanne (1957-1964) et des tours de Lancy (1961-1965). Un tournant s’opère toutefois à la fin des années 1960, marqué par le début de son activité d’enseignement et par sa rencontre avec Louis I. Kahn à Philadelphie. Son architecture devient alors plus classique et référentielle, comme en témoignent la villa Dussel (1969-1974) et l’atelier de Todi (1975-1977). Le cours se conclut par l’évocation de certaines œuvres de maturité, telles que la Serre méditerranéenne du Jardin botanique (1979-1987) et l’immeuble du quai Gustave-Ador (1978-1984) à Genève.

Le souffle des images

Lauren Huret, née en 1984 à Paris, vit et travaille à Genève. Son travail explore les récits façonnés par nos médias. Résultantes d’enquêtes sensibles nourries par la théorie et la recherche de terrain, ses œuvres interrogent la manière dont croyances et émotions se construisent face au flux continu d’images numériques et aux dérives des technologies de communication. L’artiste collecte, assemble et manipule ces images pour en révéler les logiques souvent invisibles, tout en s’intéressant à leur pouvoir de suggestion, à leur potentiel de manipulation, mais aussi de guérison. Intelligence artificielle, économie de l’attention, capitalisme de surveillance ou culture visuelle des réseaux sociaux sont autant de contextes que son travail met en tension, à travers des formes immersives ou fragmentaires.

Le quatrième cours est consacré à l’architecture d’André Gaillard (1921-2010). Formé à l’École d’architecture de l’Université de Genève, il obtient son diplôme sous la direction d’Eugène Beaudouin. Ses premières réalisations, telles que la Villa Gaillard (1954-1955), construite pour son frère Francis Gaillard, avec lequel il collabore étroitement, témoignent d’un intérêt pour une modernité mesurée, teintée d’un héritage Beaux-Arts qui sera perceptible tout au long de sa carrière, visible aussi dans certains réalisations notoires comme Rieu Parc (1958-1962).

Toujours dans le domaine du logement collectif, Gaillard privilégie les géométries biaises à 30° ou 60°, dans la lignée d’une architecture organique wrightienne, inspirée par la nature, comme à Moreillon-Parc (1954-1958). Sa production couvre plusieurs autres domaines, notamment l’architecture sacrée, où il signe deux œuvres majeures: le Temple de Châtelaine (1958-1959) et le Temple Saint-Jean (1963-1972). À une autre échelle, il intervient dans la zone internationale genevoise, avec l’extension du Palais des Nations (1967-1973) et le Centre international des conférences (1968-1973). Enfin, ses interventions en montagne, notamment la station d’Aminona (1960-1978), révèlent une approche plus radicale et expérimentale de l’urbanisme et du paysage alpin.

Davide Christelle Sanvee

Lors de sa formation à la HEAD Davide-Christelle Sanvee a compris que son moyen d’expression artistique serait essentiellement la performance. Nourrie au théâtre et à la danse, elle porte en
elle le clash culturel qui l’a profondément marquée lorsqu’elle est arrivée en Suisse à l’âge de six ans, venue du Togo où elle est née en 1993.
Son travail soulève frontalement les questions liées à l’intégration, à la présence de l’étranger, de la personne noire dans un pays qui n’est pas le leur. Dans ses performances, elle s’adresse directement au public, souriante et jouant des mots, l’entraînant dans son questionnement social et politique qu’elle met en lien avec l’architecture et l’histoire du lieu dans lequel se déroule la performance.

Le dernier cours est consacré à l’architecture de Georges Brera (1919-2000). Formé en tant que dessinateur-architecte à l’École des Arts et Métiers de Genève entre 1935 et 1940, au sein de la section « École des Beaux-Arts et des Arts industriels », il débute véritablement sa carrière en 1952, lorsqu’il remporte — avec Paul Waltenspühl — le mandat pour le groupe scolaire de Geisendorf, un chef-d’œuvre de jeunesse empreint d’une sensibilité romantique à la nature et aux matériaux bruts.

Son intérêt conjoint pour l’urbanisme et l’architecture le conduit à participer au neuvième Congrès international d’architecture moderne (CIAM 9) à Aix-en-Provence, en 1953. Il y rencontre Le Corbusier, qui deviendra une référence constante dans son œuvre, comme en témoignent la Villa Maier (1956-1959), les Tours de Carouge (1956-1973) situées à deux pas du Vieux-Carouge, l’usine Tarex (1960-1962), la piscine de Lancy (1962-1969) ou encore La Tourelle au Petit-Saconnex (1964-1973). Outre sa passion pour le dessin, Brera possède une véritable fibre artistique qui transparaît notamment dans travail plastique du béton à la fois expressif et poétique.

Léonie Rose Marion : enquêtes photographiques

Léonie Rose Marion (*1993, formée à l’école de photographie de Vevey et à la HEAD), soigne une approche expérimentale de la photographie, parfois jusqu’à l’abstraction. Elle multiplie les méthodes de tirages – numérique, argentique, cyanotype –, cartographiant minutieusement l’espace urbain, de jour comme de nuit. Son attrait pour les traces visuelles de phénomènes scientifiques donne lieu à des collaborations avec des chercheurs, comme dans sa série Relever la nuit, sur la pollution lumineuse (exposée au Centre de la photographie de Genève en 2024). Elle mène aussi des enquêtes photographiques dans lesquelles s’entremêlent des portraits posés, des natures mortes et des images d’instant fugitifs. C’est ce travail qu’elle poursuit, depuis l’automne 2025, à Meyrin, la commune l’ayant mandatée pour capturer le développement de la ville et sa perception par ses habitants. Un travail entre documentation et sociologie, expérimentation et sincérité, dont elle nous parlera lors de cette rencontre.