Après les ravages de la seconde guerre mondiale, l’architecte vénitien Carlo Scarpa sera l’un des chantres de la réparation puis de la mise en valeur du patrimoine italien comme de la création la plus contemporaine. Ses systèmes d’exposition (musée Canova à Possagno, Palais Abatellis à Palerme, interventions dans les jardins de la biennale de Venise…) restent des modèles du genre et permettront d’aborder la question du display comme œuvre à part entière.

Disparu en 2005, le commissaire, artiste et historien suisse Harald Szeemann fut l’une des figures marquantes de la vie artistique et intellectuelle contemporaine. Organisateur de plus de 200 expositions dont beaucoup sont aujourd’hui qualifiées de révolutionnaires, il a très largement contribué à conférer à la figure du curator un véritable statut de créateur engagé. Ce cours reviendra notamment sur son exposition Quand les attitudes deviennent forme – à Berne en 1969, et en version bootleg à Venise en 2013 – ainsi que sur son héritage auprès des jeunes générations.

Apparue dans les années 1980, l’œuvre de Julia Scher (*1954) se caractérise par son recours systématique aux outils de contrôle, notamment la vidéo-surveillance. Sur un mode parodique, chacune de ses interventions plonge l’espace de l’exposition dans le régime du contrôle total. A la confluence du sentiment orwellien de l’omniscience du pouvoir et du désir voyeuriste et narcissique pour les enregistrements intimes, l’œuvre de Scher propose ainsi une analyse sarcastique de l’idéologie sécuritaire et de ses dangers.

L’exposition Surveiller et Performer est l’occasion de découvrir l’art en Europe centrale dans les années 1970.
Le recours à la performance et l’émergence de l’art conceptuel les artistes de ces régions dressent une critique de l’autorité qui résonne d’autres scènes notamment américaines. De part et d’autre du rideau de fer le mouvement de 68 semble s’être internationalisé.

Une exposition peut-elle classer les artistes par genre, par couleur ou par spécialité ? De elles@centrepompidou (2009-2011) jusqu’ à Reconstructions – Architecture and Blackness in America (2021), ce cours reviendra sur un certain nombre d’expositions thématiques et les problématiques qu’elles soulèvent.

Cinéma, Danse, Musique, Arts visuels… dans les années soixante aucun domaine de la création ne semble échapper à la nécessité de déconstruire l’académisme et les catégories qui le régissent. Que cela soit sous l’impulsion d’un collectif ou de manière individuelle, l’expérimentation s’impose alors comme une donnée fondamentale de la création plus seulement comme moyen mais comme une fin en soi. Loin de véhiculer la dimension parfois péjorative qu’on lui connaît aujourd’hui, le qualificatif « expérimental» désigne alors le caractère foisonnant, hybride, subversif de productions comme celles de Meredith Monk, Bruce Nauman, Laurie Anderson, Paul Sharits, La Monte Young ou encore Tony Conrad.

La présentation dans des expositions d’art contemporain d’œuvres issues des sphères non-occidentales annonce dans les années 80 de nouvelles approches de l’histoire de l’art, notamment avec l’exposition Magiciens de la Terre, organisée par Beaubourg en 1989, qui entend montrer pour la première fois l’art du monde entier sur un pied d’égalité.

De Raoul Hausmann à El Lissitzky et à L’Alphabet pour adultes tardivement élaboré par Man Ray, par exemple, quelques apparitions alphabétiques modernes. Une façon d’introduire le sujet.

Montages et démontages hyper rapides, accrochages parfois renouvelés quotidiennement, public hyperspécialisé : foires et expositions universelles accueillent des expositions de courtes durées dont l’aspect événementiel et expérimental en fait des objets d’études passionnants.

Tony Conrad est un artiste au sens critique et à l’humour décapants. Son goût pour l’expérimentation et la subversion l’a conduit à repousser les limites des mediums qu’il utilisait et à bousculer les conventions jusqu’à l’élaboration de formes d’insurrection à l’encontre du pouvoir incarné par les médias, le système politique mais aussi par le monde de l’art et ses institutions.

Trois alphabets plastiques, celui d’Auguste Herbin, de Victor Vasarely et de Jacques Villeglé, qui redessinent à leur façon les règles de l’art et de sa fabrication.

Inventeur en 1956 de l’alphabet Bété, Frédéric Bruly Bouabré (1923-2014) a fait de l’alphabet une question artistique, littéraire, anthropologique, civilisationnelle.

Lorsque s’achève une exposition, ses souvenirs ne tiennent plus qu’en quelques photos professionnelles et amateurs. Des premières prises de vue noir et blanc à destination de la presse au début du XXe siècle jusqu’aux photos numériques contemporaines retravaillées à l’extrême, retour sur ce que disent (et taisent) les photographies d’une exposition.

1990-1996, de l’artiste allemand Franz Erhard Walther : l’invention d’un alphabet performatif. Ou comment l’alphabet est un instrument pour explorer ce que Walther appelle « l’autre conception de l’art ».

Si la pandémie actuelle a mis un coup d’arrêt à de nombreuses biennales dans le monde, celles-ci se réorganisent peu à peu et se voient pour la plupart forcées de changer de paradigme. De la mondialisation triomphante au risque du tout-local, ce cours reviendra sur les questions de représentations nationales, de pavillons en tant qu’architectures muséales et de soft power artistique.

De Paul Klee et Henri Michaux jusqu’à Dadamaino, Etel Adnan voire Annette Messager, nombre d’alphabets se présentent comme indéchiffrables exaltant par ce biais les puissances du visible et de la trace. Illisibilité et utopie de l’alphabet.

Peintre, photographe et designer, Geraldo de Barros (1923-1998) est un artiste pionnier de l’art concret brésilien. Il participe à la première exposition internationale d’art concret à Sao Paulo en 1956 ainsi qu’à la grande exposition internationale konkrete kunst organisée par Max Bill à Zürich en 1960. Dans le même temps, son intérêt pour les arts appliqués l’amène en 1954 à fonder Unilabor : une coopérative utopique de construction de meubles modernes.

Consacrée à l’art italien des années 1918 à 1943, l’exposition Post Zang Tumb Tuuum. Art Life Politics est l’une des dernières conçues par le commissaire Germano Celant avant son brusque décès en 2020. L’étude de cette exposition aussi problématique que spectaculaire permettra en outre de revenir sur la carrière de Germano Celant, de l’Arte Povera qu’il a contribué à nommer jusqu’à son rôle majeur dans la constitution de la Fondazione Prada à Milan.

L’exposition au MAMCO présente deux décennies de l’une des grandes pionnières de l’art minimal. Ce sera l’occasion au fil d’une séance de saisir la cohérence d’une recherche picturale qui ne saurait être réduite aux étiquettes artistiques.

Espaces d’exposition ouverts et gérés par des artistes, les artist-run spaces engagent un mouvement de réappropriation et d’expérimentation des lieux dédiés à l’art depuis la fin des années 1960. De la création d’Artists Space à New York en 1972 jusqu’à celle de The Underground Museum à Los Angeles en 2012 en passant par une scène artistique suisse riche de ses espaces indépendants, ce cours abordera également les pratiques curatoriales de certains artistes, notamment avec les cartes blanches initiées par le Palais de Tokyo.

Créée en 1955 et conçue en moyenne tous les cinq ans par des commissaires aussi célèbres que Catherine David, Carolyn Christov-Bakargiev ou Okwui Enwezor, la documenta de Kassel est une exposition majeure aux ambitions internationales assumées. Ce cours reviendra sur l’évolution de la manifestation, de sa création par l’État d’Allemagne de l’Ouest jusqu’à son impact actuel sur la création contemporaine.

Musées et galeries ne sont pas les seuls lieux à accueillir des œuvres d’art, qui trouvent dans l’édition, le multiple, l’absence ou Internet de nouveau moyens d’exister et de se rendre visibles. Ce cours reviendra notamment sur l’exposition Vides – une rétrospective (2009) ainsi que sur les derniers développements de l’art numérique.

La critique institutionnelle est un genre artistique qui dès les années soixante est soucieux d’analyser le lieu d’exposition. Si une seconde génération émerge dans les années 1980-90, y-a-t-il une critique institutionnelle dans les années 2020?

Après des études à la Gewerbeschule de Bâle (école des arts et métiers) où elle suit une formation en dessin, textile et théorie des couleurs, Verena Loewensberg (1912-1986) prend des cours de danse à Zürich. Unique femme du groupe des « concrets zurichois », peu connue dans les régions francophones et s’étant rarement exprimée sur son travail, Loewensberg réalise des compositions précises, structurées et animées par une grande liberté formelle et chromatique. Le cours reviendra sur le parcours de l’artiste en rappelant l’importance de la musique et des arts appliqués dans ses premières compositions.

Souvent monumental, parfois gênant, vaguement décoratif ou proprement imperceptible, l’art ne cesse de jouer avec l’espace public le plus large. De Skulptur Projekte Münster initié en 1977 jusqu’à la dernière installation de Christo pour l’Arc de Triomphe en 2021, ce cours abordera plus particulièrement l’aspect temporaire de ces manifestations artistiques.