Loin de l’image faussement romantique de la solitude créative, les artistes du monde contemporain n’hésitent pas à s’emparer des questions les plus urgentes de notre époque.

Petit manuel d’irrévérence

Artiste plasticien, Mathias C. Pfund est diplômé de la HEAD Genève ainsi que de l’Université de Genève en histoire de l’art.

Lauréat du prix Berthoud en 2017 et plus récemment du prix Jeune Talent de la 74^eme biennale d’art contemporain de La Chaux-de-Fonds en 2021, son travail a été présenté lors d’une exposition à la Salle Crosnier de Genève en 2021, dans les espaces publics de Genève et Neuchâtel en 2022 et également à l’occasion des Swiss Art Awards pour lesquels il a été nominé en 2023.

Sa pratique est informée par des stratégies d’appropriation et de critique institutionnelle : deux orientations chères aux artistes de la deuxième moitié du XX^ème siècle, que Mathias C. Pfund actualise au travers de formes sculptées. Prenant l’espace public comme un contexte privilégié d’exploration, ses œuvres remettent malicieusement en question la bienséance et la normativité politique des images. La discussion tentera de présenter la production de Mathias C. Pfund, et d’en situer certains enjeux formels et conceptuels.

Sylvie Fleury – l’art de renverser les stéréotypes

Il y a une trentaine d’années, Sylvie Fleury a fait irruption sur la scène artistique contemporaine en Suisse romande avec une installation intitulée Shopping bags. Profondément enracinée dans l’univers féminin, sa démarche l’est tout autant dans une relecture de l’art du 20e siècle et ses poncifs masculins dont elle s’accapare avec élégance. Au fil du temps, Sylvie Fleury s’est constitué un langage inépuisable, adoptant une grande diversité de médiums, ne s’imposant aucune barrière, travaillant souvent par séries qu’elle ne clôt jamais. Le monde et ses absurdités ne cesse de l’intriguer, la stimule et la pousse à en déjouer les codes. Sans porter de jugement et toujours avec légèreté.

Le thème du déplacement est ici traité dans le contexte global de l’art contemporain, considéré lui-même comme un reflet de la mondialisation.

Les grands moments du récit de la modernité architecturale

Des différents outils permettant de faire image jusqu’à l’objet photographique en tant que tel, comment les artistes gèrent-ils la question de la représentation ?

Ce cours s’attarde sur la période considérée comme « héroïque » et qui couvre les années 1920 et 1930.
C’est l’avènement des nouveaux matériaux, le fer et le ciment, et la « révolution architecturale » que cela va induire. Cette période marque également l’émergence d’une première génération d’architectes qui vont cohabiter avec des mouvements artistiques, comme c’est notamment le cas des avant-gardes artistiques soviétiques.
Alors que Le Corbusier, fondateur avec Ozenfant du purisme, met au point un code artistique pour l’architecture moderne, et que Mies van der Rohe se consacre au néoplasticisme, force est de reconnaître que l’un des points forts de cette période est certainement la création du Bauhaus à Weimar par Walter Gropius, prônant un enseignement qui consacre en avance la fameuse formule de « la synthèse des arts ».

Du recyclage à l’activisme en passant par le regard posé sur le vivant, ce cours reviendra sur un certain nombre de pratiques artistiques liées à l’environnement, à la nature, à l’urgence climatique et à l’écologie des années 60 à nos jours.

En 2023, la Cour suprême des Etats-Unis donne tort à la fondation Andy Warhol dans un dossier majeur pour l’art : celui de l’appropriation et des sources d’inspiration.

Ce cours aborde la théorie architecturale des années 1940, 1950 et 1960 et veut se distancer des clichés qui sont habituellement rattachés à cette période : le fonctionnalisme abstrait, l’industrialisation de la construction.
L’accent sera mis sur le retour éphémère de la monumentalité et de l’humanisme, l’affirmation des régionalismes et l’influence du vernaculaire – comme en témoigne la fameuse chapelle de Ronchamp de Le Corbusier.
Enfin, il faut souligner une critique constante du plan libre de ce dernier : dans le plan « neutre » et universel de Mies van der Rohe, dans le plan centré et l’expression de la pièce de Louis Kahn, dans le plan dense et métaphorique de la forêt d’Alvar Aalto, le « mage du Nord ».

Gargouille gouttière

Né en 1991 à Turin et diplômé de l’ECAL, Alfredo Aceto est un artiste qui vit et travaille à Genève depuis quelques années. S’inscrivant dans une tradition conceptuelle il explore différents médiums allant de la performance au cinéma en passant par la photographie et la sculpture. Il met à l’épreuve les systèmes de valeur qui régissent notre rapport à l’œuvre d’art tels que l’aura et l’histoire et apprécierait certainement les thèses de Luigi Pirandello et de Gérard Genette. Le MAMCO possède dans ses collections deux oeuvres de l’artiste.

« Je voudrais être une machine », disait Warhol : pour aller plus vite, pour produire plus, pour produire mieux ?

S’il est un domaine dans lequel Warhol excelle, c’est celui de l’ambiguïté – dans le choix des objets dont il s’empare comme dans le regard porté sur ses modèles.

Ce cours aborde les années 1970 et 1980 où nous assistons à l’avènement de phénomènes de société qui nous concernent encore aujourd’hui, avec souvent une intensité accrue : le paysage des autoroutes, la mécanisation des objets quotidiens, la culture de la consommation – un paysage du Pop Art mis en relief par Robert Venturi dans son investigation de Las Vegas.
D’un autre côté on assiste à la fin des grands récits de la modernité – avec notamment la crise énergétique et pétrolière – et au retour à l’histoire comme fondement de l’architecture. « Le passé comme ami » devient une devise pour les architectes qui vont ainsi puiser librement des formes dans le répertoire de l’histoire, investissant des signes historiques et s’affranchissant ainsi des codes stylistiques de la modernité.

Entre ses films expérimentaux des années 60 et ses dessins à l’ordinateur des années 80, Warhol a su passer des techniques les plus artisanales aux technologies les plus pointues.

Découvrir les bibliothèques disparues sur la route de la soie avec des artistes basées en Angleterre, à Singapore et à Bombay. Abigail Reynolds, Shubigi Rao et Shilpa Gupta sont des artistes passionnées d’histoire et de la manière dont notre approche influence notre compréhension du monde. En nous guidant à travers de vastes espaces hors du temps nous sommes renvoyés à nous-mêmes et à la plus mystérieuse des archives, l’esprit humain avec ses constructions sujettes à de multiples influences et à ce paradoxe de la mémoire toujours intimement lié à l’oubli.

Quelle réalité existe dans un monde défini au travers des histoires construites par le passé et reconstruites dans le présent. Une histoire où les plus démunis n’ont pas droit à la parole, sont les questions soulevées par l’artiste indienne Nalini Malani dans son travail depuis plusieurs décennies. Mais par tant d’autres comme Zarina Bimji du Zimbabwe ou encore l’artiste Palestino-Anglaise Mona Hatoum. C’est la lecture du travail de ces artistes et d’autres œuvres qui va nous amener à mieux comprendre le lien entre l’art et des notions complexes d’inclusion ou de marginalisation aux lourdes conséquences encore de nos jours.

Déballer et ranger des archives, ranger et déballer la mémoire sont autant d’actes créatifs de désordre, de colère et de réorganisation dans le travail de nombreux artistes. La découverte des collections de Marc Dion, d’Edith Dekyndt et de Reena Saini Kallat ou encore Rachel Whiteread vont nous amener à réfléchir sur le sens d’une mémoire collective ou du cabinet des curiosités construit par les antécédents impérialistes durant plusieurs siècles et dont nous sommes encore tributaires aujourd’hui. Est-ce seulement possible de changer notre vision ou pouvons-nous réorganiser notre bibliothèque personnelle ?

Le cinéma à l’œuvre

C’est par les arts visuels que Maxime Matray et Alexia Walther en viennent au cinéma. Diplômé de la Villa Arson de Nice pour le premier, de l’ENSAV (École supérieure d’art visuel) de Genève pour la seconde, ils débutent leur collaboration avec le court-métrage TWIST en 2006. Dès lors, ils vont écrire et réaliser ensemble plusieurs films montrés et distingués en festivals, dont un premier long-métrage, Bêtes blondes, en 2018.

La discussion sera l’occasion d’évoquer les liens entre arts plastiques et cinéma, de commenter le parcours d’une œuvre cinématographique de son écriture à son montage et à sa diffusion, ainsi que de partager quelques anecdotes au sujet de leur prochain film, dont le tournage aura lieu durant les premiers mois de l’année 2024. La rencontre sera ponctuée d’extraits de leurs films.

Science, patience et savoir-faire : la restauration des œuvres

« Il a réduit la peinture à sa stricte matière, à sa quintessence, à ses deux dimensions : un mince film coloré aussi fragile que l’aile d’un papillon, un agglutinat de pigments et de liants fin comme une peau humaine, si fin qu’il a pu admirer le dessin à travers. Cette membrane gigantesque, il l’a séparée du panneau de bois pulvérulent qui lui servait de support, au prix d’une patience infinie, puis il l’a marouflée sur un châssis entoilé d’un coutil au point serré. Il aimerait qu’on fasse ainsi de son âme, qu’on la détache de sa vieille carcasse fatiguée pour l’arrimer à un corps neuf et vaillant. Qu’on lui donne la vie éternelle ». *

Qu’ont à nous raconter les restaurateurs d’œuvres d’art, quelle lecture font ils des œuvres en pénétrant au cœur de la matière, en déchiffrant les tracés premiers sous l’amoncellement des couches successives ? Comment la pratique de leur métier, entre déontologie et prise de risques permet-elle aux œuvres, parfois les plus contemporaines d’échapper aux outrages du temps et des gestes iconoclastes des visiteurs de musée ?

Pierre-Antoine Héritier est de ceux-là, depuis l’ouverture du MAMCO à l’automne 1994, son expertise et son savoir-faire accompagnent l’équipe de conservation pour protéger, mettre en exposition et restaurer les œuvres dont le musée a la charge.

Qui est-il, comment ses recherches sur les pigments, les particules fines, les solvants…, ses collaborations (Artmyn, Matis) permettent elles des avancées dont bénéficient les œuvres que nous lui confions ? Comment fonctionne la collaboration conservation-restaurarion ?

Ce sont là quelques-uns des points que nous aborderons à l’aide d’un support PowerPoint.

*Paul Saint Bris, L’Allègement des vernis, Paris, éd. Philippe Rey, 20023, Prologue.