Cinéaste mondialement célébré, David Lynch n’a pourtant jamais cessé de se définir comme peintre. À travers ses dessins, ses peintures, ses films, sa musique et ses installations, ce premier cours reviendra sur une œuvre qui a profondément transformé l’imaginaire de l’art contemporain.

Jusque dans les années 1920, le modèle nu, en particulier lorsqu’il est masculin, demeure un territoire défendu pour les artistes femmes. Pour y accéder sans s’exposer au scandale, certaines artistes brouillent les frontières entre le permis et l’interdit en se jouant de l’ambiguïté dans les images qu’elles fabriquent. Juliette Roche dissimule des nus masculins à l’arrière de natures mortes, Florine Stettheimer niche des autoportraits d’elle nue dans des tableaux représentant son salon, tandis que Paula Modersohn Becker et Jacqueline Marval s’abritent derrière les canons orientalistes et primitivistes pour représenter leurs propres corps mis à nu. À partir d’un corpus d’œuvres diversifié, nous examinerons les différentes stratégies qui ont permis aux artistes femmes de négocier le nu dans leurs pratiques.

Souvent annoncée comme un médium du passé, la peinture demeure pourtant l’un des terrains d’expérimentation les plus actifs de l’art contemporain. Des expérimentations numériques de David Hockney aux recherches lumineuses de Caroline Bachmann et à la virtuosité charnelle de Cecily Brown, ce cours interrogera les multiples devenirs de la peinture.

L’histoire de l’art de la période contemporaine a tendance à présenter ses artistes comme des produits finis. Combien de néophytes peuvent toutefois se targuer de connaître les maîtres qui ont formé Matisse, Cézanne ou Van Gogh ; les ateliers qu’ils ont fréquentés ou de distinguer ce qui relève de la référence ou de la filiation de ce qui appartient en propre à leur création ? Cette question de l’ancrage artistique se révèle particulièrement importante lorsqu’il s’agit de situer les trajectoires tracées par les artistes femmes. L’École des beaux-arts de Paris, ouverte en 1817, restera fermée aux recrues féminines jusqu’en 1897. Quant aux établissements privés, y compris les académies modernes, elles cantonnent leurs élèves femmes à des ateliers non mixtes, dont les coûts s’élèvent au double, voire au triple, de ceux pratiqués dans les ateliers masculins. Au regard des enjeux économiques, politiques et sociaux de ces inégalités, nous retracerons les voies officielles tout autant que les chemins dérobés qu’ont empruntés les artistes femmes pour se former.

La question de la relégation des artistes femmes des grands récits de l’histoire de l’art se pose rarement à l’aune du développement du marché de l’art. Pourtant, cette occultation prend un relief particulièrement paradoxal à la lumière du tournant libéral que connaît ce même marché tout au long de la première moitié du XX^e siècle. Alors que les galeries modernistes se multiplient et que la figure du critique se professionnalise, les marchands d’art jouent un rôle décisif dans la construction de l’artiste moderniste, en pariant sur des figures encore peu reconnues et en faisant activement monter leur cote sur un marché qui s’internationalise. Que les artistes femmes soient restées si largement en marge de ces reconfigurations constitue une question que ce cours se propose de rouvrir, en tentant de situer leurs trajectoires et de comprendre les conséquences de la mise à l’écart.

Lauréate du Prix Culturel Manor, Gaia Vincensini avait présenté une exposition ambitieuse au MAMCO. Elle y présentait un coffre-fort en céramique, écrin muséal pour des sculptures de sa grand-mère et des matrices de gravure qui ornent des panneaux en forme de portes blindées. L’artiste encline à l’hybridation, que ce soit celle des techniques traditionnelles et contemporaines ou encore celle des récits qu’elle déploie à la croisée de l’intime et de la critique sociale. Plus A l’issue de sa résidence à l’Institut Suisse, l’artiste avait réalisé un film autour d’un banquier suisse pris dans une dérive romaine.  Si Gaia Vincensini conjugue les techniques et les récits, c’est pour mettre en jeu les systèmes de valeur qui organisent l’art comme la société.

Née en 1992 à Genève et diplômée d’un Master à la Head en 2016, Gaia Vincensini a été lauréate des Swiss Art Awards en 2021 et 2026.

Dans l’histoire des avant-gardes, le cubisme passe souvent pour avoir réinventé le genre de la nature morte. Si le postulat se vérifie pour les techniques et les moyens non artistiques mobilisés par les artistes, il peine à trouver justification dans les objets mis en scène. Dans les œuvres, les tables et guéridons que représentent les artistes citent et répètent inlassablement les mêmes pipes, alcools, instruments de musique et feuilles de journaux que les mythes cubistes admettent encore pour universels. Parce que ces objets suggèrent des actes collectifs calqués sur des pratiques ouvrières, leur genre est demeuré un impensé de l’histoire de l’art, oblitéré par le folklore de la sociabilité bohème et démonstrative des artistes qui les convoquent. Pourtant, lorsqu’on s’intéresse de plus près à ces mêmes artistes, on se rend compte que peu d’entre eux sont des femmes, et que celles qui ont franchi le cap de la nature morte cubiste ont dû user de différentes stratégies pour mettre à distance la charge sociale liée à ces objets. Lors de cette séance, nous interrogerons la manière dont le genre opère dans les natures mortes cubistes et permet aux artistes, hommes tout autant que femmes, de penser leurs limites et de négocier leur statut dans une avant-garde qui s’est construite au masculin.

Entre intelligence artificielle, surveillance algorithmique et enquête numérique, ces artistes interrogent les infrastructures invisibles qui fabriquent désormais nos images. Au-delà des effets spectaculaires de l’IA générative, ce cours s’intéressera aux dimensions politiques, techniques et esthétiques des nouveaux régimes de visibilité.

De la peinture au dessin, de la vidéo à l’installation, ces artistes renouvellent les formes du récit autobiographique. Leurs œuvres explorent les liens entre désir, mémoire, fiction et représentation du corps, tout en faisant de l’expérience personnelle un espace de réflexion collective.

Rejouer des situations

Le geste traverse l’ensemble de la pratique d’Yvan Alvarez (*1990, Genève). Ses projets prennent souvent appui sur des phénomènes observés dans le quotidien : des situations ordinaires, des micro-événements ou des actions discrètes qui laissent des traces dans notre environnement. À travers la sculpture et l’installation, dans lesquelles la photographie occupe une place singulière, l’artiste isole, déplace et recompose ces observations dans l’espace d’exposition. Ces reconstitutions révèlent un potentiel aussi bien formel que symbolique de ce qui pouvait jusqu’alors sembler anodin. Développée selon une économie de moyens assumée, sa pratique laisse volontairement apparaître certains procédés de fabrication et accorde une attention particulière aux formes fragiles, temporaires ou improvisées. Entre observation du réel et reconstitution, Yvan Alvarez s’intéresse aux relations que nous entretenons avec les espaces que nous traversons et habitons.

Impression numérique, photographie, archives, internet et intelligence artificielle : comment produire des images lorsque celles-ci circulent déjà partout ? À travers la peinture, la photographie et les pratiques d’appropriation, ce cours s’intéressera aux transformations de l’image à l’heure de sa reproduction, de sa circulation et de sa production automatisée

Le Cours 1 est consacré, d’une part, aux années 1970 et à la confrontation de deux grands modèles, à la fois organique et rationnel. Il s’attache également à expliciter la fin des grands récits de la modernité et la remise en question de la croyance dans l’idée de progrès qui leur était associée. L’émergence de nouvelles sensibilités, notamment à l’égard de l’histoire et de la mémoire collective, exerce dès lors une influence déterminante sur l’architecture des années 1980, marquée par l’apparition d’un nouveau courant que l’on désignera sous le terme de postmodernisme.

Artiste suisse né en 1992, Paul Hutzli développe une pratique hybride mêlant sculpture, peinture et installation. Il travaille des matériaux aussi variés que le papier mâché, le sucre isomalt, l’argile ou encore des objets trouvés, créant ainsi des biotopes hallucinatoires et colorés.
Centré sur la notion de « faux » et le brouillage des frontières entre pratiques savantes et populaires, son univers carnavalesque invite à porter un regard critique et amusé sur les codes de l’art et notre perception de la réalité.
Cet échange sera l’occasion d’explorer les enjeux de sa démarche et les coulisses de son processus créatif.

Le Cours 2 s’intéresse à l’émergence, dans les années 1990, d’un nouveau discours sur la ville, accordant une importance croissante à la définition et à l’aménagement des espaces publics, ainsi qu’à une approche plus artistique de l’architecture et du projet urbain. Dans le sillage des expériences fondatrices menées notamment à Barcelone et à Lyon, Genève lance à son tour une série de concours pour la conception et la réalisation de places dans le centre urbain, envisagées comme des lieux de rassemblement, de rencontre et de sociabilité. Cette évolution marque en quelque sorte le retour d’une tradition d’embellissement de la ville, où l’espace public retrouve un rôle central dans la construction de son identité et de sa vie collective.

Joséphine de Weck (*1989) a débuté son parcours professionnel par les arts de la scène. Elle s’est d’abord formée et établie en tant que comédienne et créatrice scénique, avec un diplôme en interprétation dramatique et un master en arts de la scène, englobant les beaux-arts, le son, l’écriture, la traduction littéraire et la performance artistique.
Avec sa compagnie Opus 89, elle crée régulièrement des pièces de théâtre ou des installations. Avec une prédilection pour la création artistique vivante ancrée dans l’instant présent, les lieux insolites et les performances pluridisciplinaires.
Reconnue pour son travail théâtral, elle a développé sa pratique d’autrice en parallèle à son activité de comédienne et de créatrice scénique.
Sa pratique artistique combine donc l’écriture originale, la traduction, l’interprétation et la mise en scène, sans se limiter à l’un ou l’autre.

Le Cours 4 est consacré aux grands volets de la politique d’aménagement du territoire menée à Genève depuis les années 2000, qui cherche à répondre simultanément aux défis du dérèglement climatique et à ceux liés à une forte croissance démographique. Il aborde, le principe du « bâtir sur le bâti », à travers notamment les opérations de surélévation.

Le Cours 6 est consacré au retour, dans le territoire genevois, de la construction de tours d’une certaine hauteur, notamment dans le périmètre de la Praille-Acacias-Vernets (PAV). À partir d’un rappel historique consacré à l’émergence de cette forme urbaine et architecturale exceptionnelle, le cours s’attachera à mettre en évidence ses atouts, mais aussi les enjeux qu’elle soulève. La tour, par son caractère singulier et sa forte présence dans le paysage urbain, suscite en effet un débat passionné sur sa pertinence, son implantation et son rôle dans la ville — un débat qui se poursuit encore aujourd’hui.