Ce cours portera sur l’implication du public dans des modèles climatiques à l’échelle de l’institution, et reviendra sur les enjeux éthiques et logistiques de protocoles de perception qui mobilisent la lumière, l’air ou l’eau.

Cette première partie vise à montrer pourquoi les images produites dans le cadre de l’expansionnisme spatial impliquent le déploiement d’un éventail de programmes — politiques, esthétiques, économiques, algorithmiques — visant à naturaliser une certaine vision du monde et de l’univers. L’origine de cette vision remonte aux phases initiales de l’occidentalisation et, plus spécifiquement, à l’autorité accordée à l’oeil de l’Homo modernus, envisagé comme référent universel. Par exemple, les images produites dans le cadre du programme spatial américain ont systématiquement été interprétées ou recadrées à partir de références à l’expansion des puissances coloniales européennes.

La question du jardin sera abordée comme œuvre vivante et manifeste politique. De Prospect Cottage à Lanzarote, nous verrons en quoi des écosystèmes installatifs reconfigurent la temporalité de l’exposition et envisagent les gestes du soin botanique comme autant de formes artistiques

Du cinéma mainstream à l’essai vidéo, ce cours analysera la manière dont les artistes travaillent la construction du récit, les infrastructures de la vision et la temporalité de l’image en mouvement.

Conquérir la lune, construire des habitats cylindriques pour délocaliser les sites de production ou dessiner le futur multiplanétaire de l’humanité, des visionnaires ont utilisé des visualisations pour illustrer ou soutenir la faisabilité de l’expansionnisme spatial. Ces visions d’artistes occupent un rôle capital pour démontrer que les solutions technologiques et la croissance seront toujours en mesure de sauver l’humanité. Cette seconde partie interroge le paradoxe selon lequel l’expansionnisme spatial continue à être envisagé comme une nécessité, dans une période où les conséquences destructrices de l’activité humaine sur l’environnement sont amplement documentées.

Ce cours abordera la question de la photographie comme lieu d’appartenance, de récit et d’activisme. Du diaporama à l’installation, nous verrons comment la lecture politique de l’intime et du portrait se déploie entre espace public et institution.

En conclusion de ce cycle, nous aborderons l’exposition comme le lieu d’un scénario, d’une partition ou d’une situation, et nous étudierons des œuvres qui s’écrivent en temps réel en mobilisant la voix, le son, la lumière et le mouvement.

À partir de l’exemple de Sun Ra, ce cours présente une sélection de productions artistiques ou intellectuelles afrodescendantes qui posent les fondations d’une exploration symbolique du cosmos, indépendamment des infrastructures du complexe militaro-industriel ou des visées coloniales héritées de la modernité. Au lieu de l’universalisme surplombant qui caractérise l’imagerie spatiale,il existe des formes d’exploration du cosmos qui n’impliquent pas de se projeter physiquement et matériellement dans l’espace, avec toutes les pollutions que cela occasionne. Comment est-il possible de repenser l’exploration du cosmos à partir des expériences de celles et ceux dont les cosmogonies ont été sacrifiées au nom du progrès, de l’exploration ou de la civilisation.

Le souffle des images

Lauren Huret, née en 1984 à Paris, vit et travaille à Genève. Son travail explore les récits façonnés par nos médias. Résultantes d’enquêtes sensibles nourries par la théorie et la recherche de terrain, ses œuvres interrogent la manière dont croyances et émotions se construisent face au flux continu d’images numériques et aux dérives des technologies de communication. L’artiste collecte, assemble et manipule ces images pour en révéler les logiques souvent invisibles, tout en s’intéressant à leur pouvoir de suggestion, à leur potentiel de manipulation, mais aussi de guérison. Intelligence artificielle, économie de l’attention, capitalisme de surveillance ou culture visuelle des réseaux sociaux sont autant de contextes que son travail met en tension, à travers des formes immersives ou fragmentaires.

Davide Christelle Sanvee

Lors de sa formation à la HEAD Davide-Christelle Sanvee a compris que son moyen d’expression artistique serait essentiellement la performance. Nourrie au théâtre et à la danse, elle porte en
elle le clash culturel qui l’a profondément marquée lorsqu’elle est arrivée en Suisse à l’âge de six ans, venue du Togo où elle est née en 1993.
Son travail soulève frontalement les questions liées à l’intégration, à la présence de l’étranger, de la personne noire dans un pays qui n’est pas le leur. Dans ses performances, elle s’adresse directement au public, souriante et jouant des mots, l’entraînant dans son questionnement social et politique qu’elle met en lien avec l’architecture et l’histoire du lieu dans lequel se déroule la performance.