Avec la modernité, l’exposition s’est mue en son propre médium, créant une rupture avec le concept « d’autonomie de l’œuvre d’art ».
Comment les artistes contemporains abordent-ils l’exposition ? Cas d’étude avec l’artiste et photographe Wolfgang Tillmans et la scénographie de ses expositions de 1992 à 1997.

Entre dérèglement climatique, représentation des identités multiples et décolonisation à marche forcée, l’art a largement débattu des grandes questions contemporaines ces derniers temps, notamment en 2022 avec les Biennales de Venise et de Berlin et la documenta 15 à Kassel, trois manifestations quasi-simultanées qui devraient, chacune à leur manière, marquer l’histoire récente.

DAK’ART, les Rencontres de Bamako, Johannesburg, Charjah, Addis Photo Fest, chaque décennie a été marquée par l’établissement d’une nouvelle biennale.
Au-delà d’une mondialisation uniforme, ces biennales sont également l’expression de nouveaux foyers artistiques et de nouvelles géographies comme autant de nouveaux points de vue sur le monde.

Histoire de peinture

Depuis toujours, la peinture est une évidence pour Nina Childress (*1961). Mais comment se construit-on peintre à une époque où le monde a pris acte de la mort de la peinture ? Comment éviter l’écueil du style en passant de l’abstraction à l’hyperréalisme avec brillo et désinvolture, tout en étant de son temps. Qu’y-a-t-il de fascinant dans le destin de figures féminines telles que Sissi, Simone de Beauvoir, Marjorie Lawrence, Hedi Lamarr, Sylvie Vartan… pour leur consacrer des cycles entiers de tableaux. Pourquoi peindre plusieurs versions d’un même motif dans des styles diamétralement opposés ? une question de technique ? Quelles sont les figures tutélaires de Nina Childress. Que transmet-on aux étudiants et pourquoi quand on enseigne dans une école d’art ?

Quelques questions, parmi d’autres, qui seront posées à Nina Childress, en parallèle de l’exposition que lui consacre le Musée des beaux-arts de La Chaux-de-Fonds et deux ans après la sortie d’une monographie aux allures de catalogue raisonné avec pas moins de 1081 peintures reproduites.

L’abstraction géométrique est au cœur d’une culture visuelle que d’aucuns pourraient aujourd’hui qualifier en Suisse de nationale, forte de ses ramifications internationales.
Entre héritage du mouvement Fluxus et art concret, la peinture géométrique abstraite fait partie intégrante du paysage de nos villes et des intérieurs publics et privés.
De nombreuses jeunes artistes en Romandie s’intéressent aux pratiques de la sculpture minimale ou de l’abstraction – des tendances que l’on a souvent considérées comme apolitique – y injectant un renouvellement tant du point de vue du sens que de la narration.

Plus que jamais au centre de l’actualité, la question du retour du patrimoine culturel suscite partout en Occident son lot d’émotions et de polémiques. Entre violation du principe de l’inaliénabilité des collections nationales pour les uns et juste réparation à l’égard de pays victimes de la colonisation pour les autres, retour sur un mouvement de fond qui va des marbres du Parthénon jusqu’aux objets sacrés du Bénin.

Lou Masduraud analyse, modifie et met en scène les habitudes collectives normatives, de manière à révéler les relations de pouvoir et de désir qui les sous-tendent. Combinant la sculpture, l’installation et la performance dans un vocabulaire formel qui emprunte au grotesque comme au poétique, l’artiste crée des mondes fantasmagoriques alternatifs aux réalités dominantes et propose l’expérience de cette transfiguration du quotidien comme une première forme d’émancipation »
L’exposition de Lou Masduraud, lauréate genevoise du Prix Manor 2023, ouvrira le 6 juillet 2023 et sera visible jusqu’au 3 septembre 2023.

Alors que les outils numériques ont entériné la dématérialisation de l’image, dissolvant dans la foulée les notions d’originalité et de propriété, l’intelligence artificielle s’appuie désormais sur des milliards d’images pour en créer de nouvelles, troublant un peu plus la question même de savoir qui crée ces œuvres : l’humain ou la machine ?

Une étrange et fertile technologie

Artiste plasticienne, Chloé Delarue est diplômée de la Villa Arson (Nice) et de la HEAD (Genève). Lauréate de nombreux prix (dernier en date celui des Bourses de la Ville de Genève en 2021), son travail fait également l’objet d’une multitude d’expositions personnelles et collectives en Suisse et à l’international.
Mêlant sculpture et vidéo, le plus souvent sous formes d’installations, Chloé Delarue travaille avec une grande variété de matériaux aussi bien organiques (le latex) qu’industriels (néons, moteurs, écrans), qui sont comme autant de motifs récurrents dans sa production. Sa réflexion se porte sur la capacité de la technologie à transformer subtilement nos perceptions et nos corps.

La discussion tentera de présenter les modes de travail de Chloé Delarue et d’en expliciter certains enjeux conceptuels à partir de la production récente de l’artiste, notamment à travers le cycle TAFAA qui se déploie depuis 2015.

La diffusion de l’art génératif – qui laisse à des éléments extérieurs préalablement programmés le soin de constituer des formes, des textes ou des sons – notamment par le biais des NFT (jetons non fongibles) témoigne du développement accéléré d’une exploitation des technologies parmi les plus avancées. Petit historique du mouvement, de la programmation des premières machines à tisser au XIXe siècle jusqu’aux pionniers que furent Sonia Delaunay, Herbert W. Franke ou Vera Molnár.

Collaborations avec les maisons de mode les plus pointues, ligne d’objets de design et décoration intérieure : séquelle d’une pensée de l’art total prônée dès le début du XXe siècle, la réalité de la production artistique contemporaine révèle et manifeste une collusion des pratiques et des démarches aussi féconde qu’ambiguë.